Augen zu

Es hat lange gebraucht, bis er seinen eigenen Stil gefunden hat, er hat
vieles probiert, er war in München beim Blauen Reiter um Kandinsky, er
fuhr nach Paris und lernte die Moderne um Picasso und Delaunay kennen,
doch erst nach seiner Tunisreise mit August Macke im Jahre 1914 wusste
Paul Klee, worin seine eigentliche Mission liegt: Die Welt in einen
Farbteppich zu verwandeln, mit dem die Betrachterinnen und Betrachter
auf alle Zeiten in eigene Traumwelten fliegen können. Auch als er nach
dem Krieg am Bauhaus in Weimar und Dessau war, blieb er der Geige
spielende Eremit, der mit dem Pinsel feine Töne anschlug und den Bildern
immer so warmherzige Titel gab, dass schon seine Zeitgenossen bei ihnen
einziehen wollten. 
Klee holte aus den Farben das Äußerste an Leuchtkraft, Tiefe und
Atmosphäre heraus und hat Stimmungen von euphorischer Helligkeit und
Heiterkeit geschaffen, die uns bis heute zu trösten vermögen. Aber sein
Werk kennt auch all die anderen Emotionen – die Angst, die Zweifel, die
fiebrige Unruhe. Und auch für all das findet er Farben und Formen. Paul
Klees Farbteppiche und feinen Zeichnungen sind durchdrungen von milder
Süße und entspannter Ruhe. Über allem liegt eine große Melancholie, ein
Versprechen, was große Kunst zu leisten vermag. Florian Illies und
Giovanni di Lorenzo haben Paul Klee die neueste Folge ihres Podcasts
Augen zu gewidmet.

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Schon ihr allererstes Selbstbildnis mit zehn Jahren ist von jenem
Stilmerkmal überzogen, das ihr ganzes Leben und Werk überstrahlen wird:
Den Punkten. Ihnen bleibt sie treu - und sich selbst. Ganz früh findet
Yayoi Kusama in der Kunst ein Mittel, der Halluzinationen und inneren
Dämonen Herr zu werden. Erst in Japan und dann, ab 1957, in New York.
Früh lernt sie dort Andy Warhol kennen, Donald Judd und Joseph Cornell -
alle erkennen ihr unnachahmliches Talent. In der neuesten Folge von
Augen zu, dem Kunstpodcast der ZEIT, erzählen Florian Illies und
Giovanni di Lorenzo von Kusamas wilden Jahren in Amerika, als sie zu
einer Pionierin der Performance-Kunst und der Happenings wird.
1977 dann kehrt sie nach Japan zurück und weist sich selbst in eine
psychiatrische Klinik ein, in der sie bis heute lebt. Und zugleich
überzieht sie ihre Leinwände und Skulpturen, vor allem ihre bekannten
Kürbisse, mit ihren berühmten Punkten und Netzen. Alles verknüpft sie so
mit allem, von einer großen Liebe zur Ganzheitlichkeit getrieben. Nach
langen Jahren der Vergessenheit ist Kusama zurzeit die bekannteste
Künstlerin der Gegenwart. Das Museum Ludwig in Köln lädt ab März dazu
ein, dieses gepunktete Universum zu entdecken.

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Seine Bilder aus der Provence, seine Aquarelle von Äpfeln, seine
Landschaften, die nur noch aus grünen und braunen Pinselstrichen gebaut
zu sein scheinen, haben Paul Cézanne (1839–1906) zur wichtigsten
Künstlerfigur zwischen dem 19. und 20. Jahrhundert gemacht. In der
neuesten Folge des Podcasts Augen zu erzählen Florian Illies und
Giovanni di Lorenzo aus dem Leben dieser Ausnahmefigur, seinen frühen
Malerfreundschaften mit Paul Gauguin, Renoir und Pissarro, seinem
Aufbruch und seinem Scheitern in Paris und seiner Rückkehr in die Heimat
der Provence, wo er seinen eigenen Stil und seinen späten Ruhm finden
wird.

Cézanne ist dafür berühmt, dass er in der Kunst etwas sah, was sich
"parallel zur Natur" verhält – und dass er in der Landschaft
geometrische Formen erkannte, Zylinder, Kegel, Kreise und damit nicht
nur in seiner Malerei den Kubismus vorbereitete, sondern auch den
Konstruktivismus. Kein Wunder also, dass sich fast alle späteren Stile
der Moderne im 20. Jahrhundert auf Cézanne als Vaterfigur berufen.
Picasso schwärmte genauso von ihm wie Vincent van Gogh, und noch die
großen abstrakten Maler nach 1945 wie Mark Rothko sehen in ihm ihren
Ursprung.

Florian Illies aber macht das skeptisch – er glaubt, wie er im Podcast
erläutert, eher daran, dass Cézanne derjenige ist, der die großen
malerischen Tendenzen des 19. Jahrhunderts, also den Naturalismus wie
den Impressionismus vollendet – und reinigt, damit die Bühne frei ist
für die ganz andere Kunst, die dann in der Zeit seines Todes 1906 am
Horizont von einem neuen Zeitalter erzählt.

Eine großangelegte Ausstellung in der Fondation Beyeler in Basel gibt
gerade ideale Gelegenheit, diese Frage zu überprüfen.

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Wer wissen will, wie radikal "Dada" wirklich war, der muss sich das
Leben von Raoul Hausmann (1886–1971) anschauen – dieser Visionär und
Provokateur glaubte nur an das Morgen und hielt alles Gegenwärtige
bereits für gestrig. Er hat in Berlin im Ersten Weltkrieg entscheidend
dazu beigetragen, die Dada-Bewegung zu etablieren, er hat Collagen von
brutaler Härte geschaffen und danach Fotografien von seltsamer Zartheit.
Raoul Hausmann ist der große Unbekannte der deutschen Kunst der Zeit
zwischen den beiden Kriegen – ihm ist die neueste Folge von Augen zu,
dem Kunstpodcast der ZEIT gewidmet.

Die Berlinische Galerie in Berlin widmet Hausmann gerade (bis zum 16.
März) eine exzellente Ausstellung, die – erarbeitet von Ralf Burmeister
– alle Werkphasen und Lebensbereiche des wilden Genies beleuchtet. Sie
und der dazugehörige Katalog sind der Ausgangspunkt dieses Podcasts von
Augen zu. Florian Illies und Giovanni di Lorenzo fragen danach, worin
die spezifische kunsthistorische Bedeutung Hausmanns bestand, warum ihn
der große Fotograf August Sander gleich dreimal porträtierte und warum
er seine Partnerinnen regelmäßig fast in den Wahnsinn trieb, etwa Hannah
Höch, mit der er acht Jahre zusammen war, und die in dieser intensiven
Phase ihres Lebens selbst einige ihrer wichtigsten Werke schuf.

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